永不消逝的电波

去看了《永不消逝的电波》6.18的首映场，我一直在消化这种舞剧和电影结合的新形式。

无论是从题材还是呈现方式上，舞剧电影无疑是一次大胆的尝试。

其实看到中间，有几个片段挺让我抽离的，一个是有一段银幕上出现“安全出口”的逃生标志，我最初以为是穿帮，但我后来又想到那块背景全黑，要抠掉不是很容易吗？

细细想来感觉应该是导演的设计，这一幕展现的恰恰是先辈死而后已的选择。

身处那个年代，选择自己活下去，还是让国家的命脉留存下去，本就是两难的抉择。

面对“安全出口”的李侠本可以与家人全身而退保全性命，但他毅然决然地选择孤身逆行，历史上不止李侠一人放弃了“安全出口”，更是千千万万的英勇先烈都不约而同地为了信念选择了离开“安全出口”，所以这并不是令人跳戏的穿帮镜头，而是一处结合了舞台特点的隐喻。

还有一个，是影片中反打镜头时所捕捉到的舞台下正在观赏表演的观众，电影放到这里的时候我已经沉浸在故事的情绪里了，而影片中呈现出来的观众，他们反而显得异常冷静，让我短暂地抽离了一下。

后来我反应过来，银幕中的观众是早已离开真实历史舞台很远很远的后面那一代代人啊。

身处历史长河却距离历史舞台已经非常遥远的他们，只能通过影像和文字与那段岁月相连，唯有最后的掌声是来自遥远年轻一代最真挚的掌声，更是对历史的尊重。

时间如长河，我们每一个走进电影院的观众，都是长河中的一员。

这一封红色情书，一旦开启便永不断电。

上来就是花。

双人舞，被截断，大特写，多次，整个屏幕，花。

不是一张，用三张，因为电影里面就是反反复复，超大特写，还多次出现的。

我这是用别人的画来写实。

然后，是这样。

也是反反复复出现这个对比度真的就这样，色差我大胆断言，没有色差!电影里面就是这样的。

哦，接下来是有全场高潮，电影院的观众席终于忍不住全场大笑的那一刻。

本来是李侠看到同志们在报纸上的消息了，肝肠寸断。

拍摄手法是:

哦哦，还有双人舞的背景:

这么闪亮的背景，跳离别。

结尾，终于熬到结束了。

你以为完了?No!

（看过的人，我相信，你看了我的配图，能够很快速的唤醒你看电影时候的回忆，迅速吊起电影画面）我还忘了什么嘛？

请提醒我补图。

谢谢最后，舞者满分，拍摄负分，原导演编剧和编舞都满分，拍摄的编剧和导演负分，整个电影平均分最终得分，20分。

《永不消逝的电波》不仅是一部舞剧电影，更是一次穿越时空的精神洗礼。

对于我这个对主旋律题材并不特别敏感的人来说，这部电影却以其独特的叙事方式和深刻的情感内核，深深地打动了我。

影片中的李侠和兰芬，从并肩战斗的革命战友到深情相依的恋人，他们之间的感情发展自然且动人。

他们的故事，不是孤立的英雄主义赞歌，而是一群有着共同信念的人们为了理想而奋斗的缩影。

小裁缝的热血与稚嫩、老裁缝的隐忍与坚持，每一个角色的牺牲都显得那么沉重而又充满力量，他们用自己的生命诠释了“长河无声奔去，唯爱与信念永存”的深刻内涵。

电影的灯光和音效设计堪称完美，营造出的氛围让人仿佛置身于那个动荡的年代。

雨滴落下的声音逼真而紧迫，每一次枪响都让人心跳加速，鲜红的灯光映衬着危险的气息，让人不自觉地紧张起来。

这种沉浸式的观影体验，让我第一次感受到了语言的贫瘠，因为任何文字都难以准确描述那种直击内心的震撼。

舞者们通过身体语言，在明暗之间传达出时空交错、非线性叙事的画面，这种表现方式甚至比经过技术重建的电影更加生动和真实。

在恢弘沉重的音乐声中，我被深深地打动，眼泪不自觉地流淌下来。

《永不消逝的电波》不仅仅是一部艺术作品，它更是一次对历史的回顾和对革命精神的致敬。

李侠虽然没能等到中国的解放，但他的信念和爱却通过兰芬和他们新出生的孩子得以延续。

这部电影让我深刻地感受到了革命先辈们为了理想和信念所做出的巨大牺牲，也让我更加珍惜当下的和平与安宁。

最后，我要感谢这部电影，感谢李侠、兰芬以及为革命牺牲的无数同志们。

他们的故事将永远激励着我们前行。

舞剧电影《永不消逝的电波》以同名舞剧为蓝本，以影像为媒介，用多层级的空间和饱满强烈的视听效果，给观众带来耳目一新的体验。

这部作品用多元化的素材、多样化的手法，广泛吸收了舞台艺术、舞蹈艺术、纪录片艺术、数字艺术的精华融为一体，创造了一种全新且纯粹的电影形态。

一、叙事带着对舞剧《永不消逝的电波》的印象走进影院的观众，恐怕会觉得舞剧电影版本的呈现并不吻合预设。

但是稍作辨识，应当能较快地领会到创作者的出发点——对电影来说，舞台演出是它的资源，是它的手段。

观众会渐渐随着扎实的情境勾勒、灵活的时空处理，渐入到属于电影的叙事进程中。

舞剧《永不消逝的电波》的叙事，情感表达充分而细腻，因而显得比较清晰、固定和完整。

舞剧电影《永不消逝的电波》，则不再忠于某一段舞蹈甚至某一支舞蹈的完全呈现，而是根据情节和情绪的需要，将变动的景别、变动的场景与肢体展示相编织，形成综合的视听感受。

舞剧电影的本质仍是电影，追求电影的叙事是创作的题中之义，但电影的叙事在完成度上是否要强烈到覆盖舞台的叙事？

由于舞剧《永不消逝的电波》在内容与形式上结合几乎天衣无缝，影像也较为丰富，所以想要彻底颠覆舞剧版本的叙事难度很大；而另起炉灶地重述一个纯电影样式的《永不消逝的电波》，则是另外一次创作。

我是舞剧《永不消逝的电波》的编剧，没有参与电影剧本的改编，从舞剧电影的呈现来看，总导演郑大圣的创作动机首先便是有尊严的，值得敬佩的。

以近期一些改编文学名著的舞台演出为例，因为过分担心被打上“背离原著”的标签，戏剧演出有时以牺牲自身魅力为代价，选择照抄原著文字、让演员在台上“朗读”这种风险较低的改编手法，试图借助文学语言来代替戏剧语言，这样的改编处理，被骂的风险小了，但是戏剧的艺术自信心也就打了折扣。

相较之下，郑大圣导演的改变手法体现出了强烈的职业自主意识，舞剧电影中叙事形式的设计，不曾背离电影艺术的本质。

二、空间舞剧电影《永不消逝的电波》充分活用了舞台空间、假定空间和真实空间，影像中的真实与幻觉不受到某一种固定的美学原则的约束，以丰富多彩的视觉意象，完成对内涵的意会。

在影片中，总体上可以提炼出三重空间。

第一个空间是电影最重要故事背景空间，即解放前上海如火如荼的地下斗争现场。

革命英烈的真实经历，为后来的文艺创作提供了巨大的红色资源。

李白烈士夫妇，以及他们的战友，在解放前夕传递情报的工作与斗争，是后来许多谍战题材所共享的历史背景与素材。

舞剧电影用影像历史档案的那种原始而粗粝的质感，帮助观众重返历史现场。

纪录片影像空间，在调性和节奏上与其他空间大相径庭，可以视为导演对真实历史现场的刻意强调。

当我看到王孝和被枪决前的黑白照片，看到李侠原型李白的生活照，联想之下，瞬间泪崩。

第二个空间是舞剧表演空间。

这一层空间也具有较大的自由度，有时在舞台上演出，也不去刻意抹平舞台空间本身的印记，直接上剧场空间“穿帮”。

例如地板上的地标、划痕，舞台两侧的幕布、后台、吊杆等，都随着镜头的移动而构成了清晰的演出空间实感。

舞剧的表演空间有时也在实景中，卧室、街道、报社、旗袍店等，填补了舞台空间不方便做出来的细节和质地，增强了影像视觉上的品质感和人文感。

还有一些舞蹈表演空间是没有实际上对应的，类似于主人公的意识空间，或者脱离了具体时空的“飞地”，一般用于展现重要的抒情舞蹈段落，如得知兰芬怀孕、李侠回忆战友等，这些空间是人物的情感、记忆、幻想的显现。

李侠与兰芬生离死别时的拥抱，李侠在兰芬的胳膊上轻击出的发报信号，舞台上无法表现这样的特写，但是电影可以，电影在利用舞台表演的同时，也在放大和深化着细节。

第三个空间是以舞台为视点拍摄台下的观众席。

这一个空间虽然出现的画面不多，但是意味和影响可谓深远。

不断出现的台下观众，一方面是完成舞剧演出的现场感，另一方面是完成了电影观众的自我指涉，是受众群体透过一个样本——无论是舞剧还是舞剧电影——集体看到、重温了那个时代。

这构成一种仪式化的提醒，将观看行为上升到意识形态的整合。

我甚至问身边同场观看舞剧电影的上海歌舞团团长，问这是哪一场在哪里的演出，我甚至潜意识中想，那天我是否就坐在台下。

以上三个空间，手法上都没有刻意求“实”，也没有固守舞台空间或电影空间的呈现规则，而是给观众提供了自由进出这个作品的多重“入口”。

在设计和组织这三重空间的过程中，郑大圣导演可谓费尽匠心、用尽才华。

三、导演理念舞剧电影《永不消逝的电波》目前所创造的艺术价值，有别于此前舞台电影对于经典演出剧目内容的被动记录。

此前的同类创作，多是电影影像呈现为舞台演出呈现服务。

电影艺术技巧或其他艺术门类技巧的运用，以让观众更清楚细致感受舞台演出为基本目标。

舞剧电影《永不消逝的电波》拥有更鲜明的理念自觉、更复杂的审美理想，不满足于“忠实再现”，而要“创造性表现”。

影片的取景、构图、镜头运动和蒙太奇，均在主动地介入舞台演出，并深化演出的艺术效果。

这是一次有备而来的创新。

在这部舞剧电影的创作在情节和结构上，对舞剧既有沿袭，又有出离；以原作为基准，又不受原作的制约。

从电影到舞剧，又从舞剧到电影，进而诞生出一个新的概念“舞剧电影”，在舞剧与舞剧电影的创作中，我看到了两个创作团队，两个不同艺术行业创作者的自主意识，舞剧总编导韩真、周莉亚，舞剧电影总导演郑大圣，我看到了他们彼此并峙的高大，内心有一种不言自明的惺惺相惜。

对一部作品的关注，不能绕开对创作者的关注，创作者是整部作品风格的奠定者。

郑大圣导演是黄佐临先生的外孙。

佐临先生研究布莱希特体系、中国话剧和中国戏曲，以及三者的有机结合。

佐临先生晚年创排了昆剧《血手记》、话剧《中国梦》，这两部作品在戏剧观念上影响了新时期以来上海乃至中国戏剧的整体创作观念。

郑大圣的母亲是上海影视大导演黄蜀芹女士，她曾导演了讲述戏曲女演员传奇经历的杰作《人·鬼·情》。

这部影片拓展了影像中的舞台空间维度，给舞台空间概念带来全新的理解。

直至今日，我们都不能说有谁在对戏曲舞台演出空间上的洞悉与打开已经超越黄蜀芹导演。

我们通过艺术世家两代电影的作品，看到了郑大圣电影的艺术美学血缘，也加深理解了他“为什么这样”导演家学渊源。

可以这么说，舞剧《永不消逝的电波》开创了中国舞剧创作的新范式，中国舞剧在这部作品诞生之前和之后是有很大的不同的。

而作为艺术世家第三代导演郑大圣，由他主导创作的舞剧电影《永不消逝的电波》，今天放映之后，也一定会成为中国舞台艺术电影的新范式。

舞剧《永不消逝的电波》是当代舞剧发展的分界线，同名舞剧电影也是当代舞台艺术电影转化的分水岭。

（作者为当代剧作家，中国戏剧家协会、中国文艺评论家协会顾问，舞剧《永不消逝的电波》《朱鹮》《大河之源》，戏曲《金龙与蜉蝣》《班昭》《典妻》等作品编剧。

本文原题为《电影对舞剧的创造性转化——我看舞剧电影《永不消逝的电波》》）来源：罗怀臻

看完后觉得这次买舞剧票一定能抽到A卡了。

毕竟忍了这么90分钟，我的诚意绝对是感动上天，震撼九霄。

我以为舞剧电影就是录一遍高清的放出来呢，没想到是如此稀烂的剪辑，PPT的背景，随机生成的运镜，反复横穿的次元。

整出来这玩意的人是从没有在观众席上完整看过一遍舞台，连它好看在哪里都不知道吗，我天呐。

看完这个才知道翻拍不能叫毁原作，真正的毁原作是把原班人马拉过来陪你整一坨翔。

喊演员跑路演时得给人结算精神损失费吧？

而且这个神奇的电影总能给人新惊喜，你以为怼脸拍已经够不专业了吗？

你以为纪录片情景小品舞台剧一顿乱剪已经够违和了么？

大清洗，小裁缝牺牲，李侠最后发报，兰芬退场的镜头，好多的角度居然是冲观众席的！

台下满满一剧场的普通观众！

这哪怕再支个PPT档板呢！

这想表达什么呢我请问，人在做天在看，看策划脑子里进的水是吗？

我是没买到这一场的票啊，我要是买到了肯定告这破电影侵犯我肖像权，把我的名字在新闻里跟电波锁死！

猛蹭！！！

有幸观看了舞剧电影《永不消逝的电波》的“致敬场”观摩活动，地点在美琪大戏院，一进门就看到现场布置了旗袍和李白家书，氛围感一下子就有了。

舞剧固然有令人赞叹的舞段，但真正吸引我的，是其作为完整剧作的叙事手法和对人物情感的精准描绘。

非舞蹈部分的肢体细节，为角色注入了丰富的内心世界，让每一位角色都鲜活起来，不再是简单的舞台符号。

每次观看，我都选择将注意力集中在一个角色上，总能发现新的故事线索和情感表达，这种体验让我倍感满足。

此次观影，电影院的硬件设施也为带来了极佳的沉浸体验。

音响清晰，无杂音，舞台高度适中，座位宽敞舒适，让我得以全身心地投入到剧情中。

兰芬和女特务在裁缝店对峙的那一段戏，氛围紧张惊险，舞蹈演员们的表达非常棒！

我能够清晰地看到角色的微表情，听到他们在紧张、难过或喜悦时的呼吸声，以及节奏精准的舞步声。

这样的外界条件加成，让我仿佛置身于一个真实而动人的世界。

去年观看舞剧时，我曾对自己的观察力颇为自信，能够捕捉到人物的行为动机和情感表达。

但今年再次观看舞剧电影，我依然能从中发现新的信息，这不得不归功于台上舞者们的精湛技艺和深刻理解。

他们用自己的身体语言，将角色的情感和故事展现得淋漓尽致，让我为之动容。

明明人家舞剧就还在演出的，摆明了电影就不会是舞剧的替代品，这价格都差多少倍了。

主创不都说了还是希望大家去剧院看演出。

反正作为一个看过原舞剧已经有点不记得具体内容的普通观众，看完电影确实还蛮想去剧院二刷一下的。

电影很多细节是原来根本没注意到的。

出品方绝对用心良苦。

以及，这么多人觉得出戏的观众席镜头，恰恰就是我的泪点，历史与现实的呼应有很强烈的真实感，所以有没有发现，所有观众席都出现在烈士牺牲的段落，光这一点就叫人鸡皮疙瘩一身了。

晚上得空，围绕郑大圣导演的舞剧电影新作《永不消逝的电波》，再多说几句:1.上海。

大圣这次改编，最重要的一个特色，就是突出了这部革命经典电影的上海性。

众多关于上海的城市资料影像、弄堂里巷的实景表演跟舞台上的舞剧演出交织在一起呈现，突出了这部作品之于上海的独特城市属性。

如果说《天津闲人》是大圣关于成长故乡天津的代表作的话，那么本片就是大圣之于出生和成名故乡上海的情感汇聚之作。

李侠夫妇在弄堂里的生活场景，自然透露出大圣本人的成长记忆与情感。

这种记忆与情感，不只是之于上海这座城市的建筑和社会生活，也同样基于大圣依托自身所在的艺术世家血脉、之于以上海为中心的中国电影史的情感。

影片中各位牺牲的革命者突然复活的场景，自然让人想起孙瑜导演近百年前的经典电影《大路》的片末浪漫主义桥段。

而年轻联络员牺牲时的地点外白渡桥，也是一个早已跟上海的租界历史紧密相联的符号化场所。

更不用说贯穿影片始终的经典电影音乐《渔光曲》。

这样的编排处理，不只是向上海的左翼电影史致敬，也同样是对上海作为中国百年现代化进程的中心城市历史的温情回望，让人感动。

2.以人为本。

影片中反复出现的英文书籍道具，是文学名著《理智与情感》。

跟大圣在《我本是高山》《1921》等作品里所呈现的基调一致，他在镜头中，惯常会让“高大上”的楷模式人物，回归人性与人文主义的视角，进行更为日常化的呈现。

为革命理想而奉献的“理智”，跟伴侣之情、同志之情、守望之情的情感，是以李侠夫妇为中心的地下革命工作者的一体两面。

正基于此，李侠被捕之前妻子的痛哭欲绝，才更加具备人性的自然与情感层面的感染能力。

3.间离。

大圣外祖父黄佐临先生提出的“写意戏剧观”中，承继自布莱希特的“间离”效应是很重要的一条要素，早在戏曲电影《廉吏于成龙》中，他就在片末安排过舞台上的“穿帮”场景。

在《永不消逝的电波》中，大圣不只把镜头对准舞剧台下的观众，还让李侠躲避特务追捕时，走入了剧院里的“安全出口”。

这种戏剧与现实之间的融汇与“穿帮”，之前也曾在《天津闲人》中出现，它既构成一种虚构性叙事的循环效应，也同样是以“间离”的美学理念，提示观众与电影各为主体的一种有效尝试。

凝视与被凝视之间的反转，会提升镜头语言的纵深感。

4.红色。

影片中的色彩美学，同样颇为值得称道，其中让人印象最深的，就是跟革命的象征意义天然相联的红色。

主人公身上的那条大红围巾，就极具这一象征效应。

值得注意的是，当他们被捕或牺牲之时，连同落地的红色围巾同步呈现的，是红光闪烁的路口。

这里的红色，不只有革命的象征意义，也同样喻示着鲜血之牺牲。

相比之下，女特务头头的衣着，虽然同为红色，但却是跟大红、鲜红相对应的粉红。

粉红指向的权贵阶层与软性文化的含义，跟革命者的形象，构成了鲜明对照。

第一次看舞台剧电影，看的是杭州路演场。

迟了一小会，但是提早离场了。

🩵优点：1️⃣画面很精美 ，看得出来是舞台剧演员导演领域的拔尖老师们制作的。

场地 画质色彩 氛围都很到位。

演员们外形 身材 妆造都很话剧演员。

还有觉得旗袍好好看。

2️⃣全片是默片 没有台词，这种形式很新鲜。

🩵缺点1️⃣题材小众，容易觉得无聊。

拍的人可能很用心，但是不太能靠个人买账 ，需要组织买账。

2️⃣观影人员审美音乐门槛有要求。

3️⃣电影题材 拍摄手法 内核 即使结合了新形式，还是觉得很老套。

4️⃣本电影导演的镜头好晃啊，一直转来转去，觉得有点没看懂。

🩵私心：1️⃣电影会有越来越多的形式素材。

这是大趋势。

因为它可以不限时间空间场地，可以结合互联网被更久远的保留下来。

2️⃣但其实我认为舞台剧是不适合作为电影的。

舞台剧要的就是一个即时表演，要的是观众沉浸 ，以及一部分的观众演员互动。

而这个在电影中是无法完成的，只有一个单向体验的过程。

《永不消逝的电波》不仅是一部舞剧电影的杰作，更是上海红色文化的生动展现。

影片中的舞蹈表演，每一帧都仿佛是一幅精心绘制的画卷，既保持了舞剧艺术的独特魅力，又巧妙地融入了电影语言的细腻表达。

演员们的表演精湛而富有感染力，他们用舞蹈讲述故事，用肢体语言传递情感，让我在观影过程中仿佛置身其中，与角色共呼吸、同命运。

特别值得一提的是，影片在呈现原版舞剧思想内核和情感精神的同时，也进行了一次全新的探索和创新。

通过电影语言的运用，影片成功地将舞台表演与电影叙事相结合，创造出了一种全新的艺术效果。

这种跨界融合不仅丰富了影片的表现手法，也让观众在欣赏舞蹈艺术的同时，更加深入地感受到了影片所传递的红色文化和革命精神。

对于舞蹈演员来说，电影是一种全新的体验和挑战。

他们需要适应电影镜头的拍摄方式，学会在镜头前展现更细腻的表演。

从朱姐和佳俊的采访中，我感受到了他们对这次跨界合作的热情和期待。

他们通过专业训练，努力将自己的舞蹈表演与电影语言相结合，为观众呈现出了更加完美的艺术作品。

《永不消逝的电波》不仅展示了上海歌舞团演员们的精湛技艺和无限潜力，也让我们更加深入地了解了上海红色文化和革命精神。

这部电影是对历史的致敬，也是对未来的期待。