我在中国做电影

非常值得去看，哪怕并不从事电影行业。

用一句话概括的话就是这样。

是从或许有一天能够把我一个人度过的幻想时间呈现成画面的时候开始觉得世界轻盈，我将永远对此热忱的，电影是造梦的艺术，可造梦是完美的苦役，你要在无数次找寻中去寻找契合的点，也要成功到达那里，是赵楠听了一天又一夜的雨声，也要甘于寂寞，知道天赋的终点，是始终对自己葆有期待的曹郁，热爱就是在经历了无数次自我怀疑的磨损之后，仍然坚定的重来，电影迷人的地方就在于一段经典画面的制作之所以动人让人镌刻在内心深处的情感记忆里，其实因为来源于多重感官的建构，不能否认每一个细节的精益求精，曹郁讲的和王家卫角力也非常有意思，不同的审美碰撞能产生更多的有价值的思考，纪录片里没有对当下电影行业的产业结构和发展历程进行过多的延伸，或许受制于时长，如果说每个人做的一切都是为自己想要的世界投的票，我永远相信中国电影的未来可爱光明，我也永远为它热泪盈眶。

极适合电影小白扫盲和入门的一部纪录片。

偶然在豆瓣看到有人推荐这部纪录片，把摄像、声音、特效、美术指导和配音五集都看完的最大感受是：电影值得！

可能因为利益相关，我看特效这一集特别认真。

影视特效是最有技术含量，也最能体现电影工业化的活，一个懂美术、建模、编程、物理的全才才有可能成为出类拔萃的特效师。

特效和CG电影只有一个字：肝！

肝到《冰雪奇缘》的每片雪花都有物理公式，肝到《刺杀小说家》的赤发鬼每一个毛孔都要精准建模……虽然由衷敬佩每位眼里带光（可能是打光的功劳哈哈哈）的电影人，但是这个行业，或者说国内市场给予他们的远远不够。

无论是创作空间、劳动报酬，还是为爱发电带来的工作成就感与知名度，我国电影行业与发达国家的电影工业相比还有很大差距。

在片子里，“专业”一词出现了多次，好像有点刺眼，背后折射出无数老一辈电影人的期盼与着急：好一点，更好一点！

以前，我佩服有新闻理想的媒体老师，现在多一条：怀揣新闻理想的媒体人和电影梦的影视人，salute！

大家都说，眼睛是心灵的窗户，那我便认为声音是眼睛的大门，聚焦电影声音这一工种是国家一级录音师、奥斯卡评委会成员赵楠老师。

她认为，从技术上来讲，现场捕捉的声音远不足支撑一部电影。

在《影》中，没有效果器、低音炮，而是尽最大力度还原声音的本真，对最原始声音进行捕捉再合成。

阴与阳、动与静，是赵楠给《影》声音的风格定位。

她根据定位寻找符合气质的声音元素，所有声音相互配合，只为让观众感受如此阴阳动静。

《影》是连下七天雨的故事，通篇两个小时被雨声铺满。

两国交战，不同雨声暗示着不同国家的基调，沛国的雨阴阴郁郁，敌国的雨暴躁刚烈。

在制作的过程中，赵楠捕捉了大量雨声素材。

她还跟随剧组，在拍摄环境下捕捉了许多自然混响，让声音的组合更加丰富自然，给人以真实震感的感觉。

比如剑穿铠甲的声音，这一个动作，起码七种声音合成。

首先穿断金属铠甲，再刺穿皮子，再进入肉、穿骨头缝、金属与骨头缝的摩擦声，爆破似的穿透出来，最后还有血流出来的声音。

是这样的声音加持，才铸就了壮阔与精致同在的《影》。

（源自百度）声音往往能烘托气氛，声音越多所含的细节越多，在不同的声音下也能透露出不同的心情，交代人物心情，铺垫故事情节……

提到电影，首先人们想到的是演员、剧情、导演，更多的关注台前一大批人，幕后的人很少有人关注！

我觉得这部记录片就是把幕后的工作人员搬到台前，让大家更了解电影的全部制作过程，更了解电影！

每一部优秀的电影都累积了很多人的汗水！

你们都是优秀的电影人！

为电影事业奉献了很多美好，带给我们一个又一个动人的故事，感恩有你们！

影迷的记忆，就是光影世界与现实生活之间的“任意门”。

提到雨，会想起《影》中墨色氤氲开的山峦长亭。

提到竹，眼前翠色无垠，玉娇龙与李慕白在林巅遥相对峙。

提起雪原，回忆中冰封千里，运输车静默前行，凌万顷茫然。

美而隽永。

1911年，乔托·卡努杜宣言：电影即是艺术。

可有多少人留意过，艺术背后的雕琢——职业：摄影师存在感：★★☆☆☆话语权：★★★★☆重要性：★★★★★说到美，院长首先想提一个人——张榕容。

《妖猫传》中，杨贵妃回眸一笑百媚生。

这个镜头，院长至今想起，还能记得自己在影院内咚咚的心跳。

不知多少人自此之后，对张榕容多了层女神滤镜。

直到《从前有座灵剑山》开播……

这妆，这脸，这神态。

姐姐，你是谁？！

滤镜与少女心齐碎，以至于大家开始议论纷纷：陈导的镜头是什么美颜相机吗？

现在心心念念的问题，终于有答案了！

调教演员，绝对是陈导功劳。

但说到「美颜效果」，还得归功于摄影师。

纪录片中，曹郁对这一经典镜头进行了小科普。

张榕容面上的光，首先来源于拍摄时，道具灯笼的光：

此外，为照亮脸庞，摄影组又准备十几根蜡烛，放在张榕容的侧脸和脸下。

接着，借助LED灯带，突显面部光泽，塑造轮廓。

最后还要用小光源特图利灯，专门打在演员的眼睛部分。

四种不同光源协作，听起来已经够复杂了？

图样！

对曹郁来说，光源再多，只要保持固定，依旧无法拍出人物的鲜活，体现极乐之宴的梦幻之感。

片场照于是实际拍摄过程中，他自己操纵调光台。

在演员抬头与低头之间，不断调整灯光亮度，最终形成流动的光影效果。

贵妃抬头时，灯光由暗转明，她是大唐极盛之时开放的富贵之花：

低下头时，灯光又从明到暗。

无论多明艳的鲜花，总有凋零之日。

无论多鼎盛的王朝，终有败落之时。

为一个不到十秒的镜头，付出如此多思虑和努力。

如此，才成就我们看到的经典一幕。

所以，网剧里的王舞和电影内的杨玉环，演员虽是同一个，但给人的观感注定无法相比。

不必手术刀，光影便可为她“整容”。

当然，拍电影也要因地制宜。

《妖猫传》的瑰丽流动，是建立在故事本身虚构的条件下。

像电影《可可西里》，摄影师的着重点就不再是人为修饰，而是如何呈现自然本身的壮阔与震撼。

《南京！

南京！

》则是用传统单光源，展现面部雕塑感，呈现人物力量感：

除去打光，一名合格的摄影师还需统筹整体画面。

比如先听旋律，再设想情境，最后付诸实际拍摄：

还必须具备对绘画的了解，能够从名家画作中汲取灵感。

如《妖猫传》的蓝绿色运用，就是受蒙克启发。

毕加索则是《八佰》的色调缪斯：

管打光管拍摄管调色……看纪录片之前，一直以为电影画面好看全是导演一人功劳。

看过才知道，摄影的功劳，一样不能少！

职业：特效师存在感：☆☆☆☆☆★★★★★话语权：★☆☆☆☆重要性：★★★★☆提到特效，第一时间能想到的肯定是科幻或玄幻类作品。

特效做得好，绝对是片方剧方搞宣传的一大利器；特效做得烂，首先要被观众喷到自闭。

存在感十足，堪称业界脸T。

然而有多少人在意过，很多我们认为“实拍”的作品，也都少不了特效的功劳？

最简单的就是擦威亚，修复不可抗力导致的穿帮：

像《如懿传》的荷花特效，一看就是钱没给够的亚子……

复杂一些的，就不大看得出了。

如果事先没看过相关花絮，大概很难发现，《一出好戏》中的沉船竟然不是实景，而是100%特效制作。

《邪不压正》里的外景戏，乍一看，不都是实拍吗？

顶多给演员擦个威亚啥的。

然而……全部！

都是！

特效做哒！

偌大的北平城，是视效团队研究过12000多张老照片后，用技术手段进行的复原。

6000栋房屋，超过12000棵树木……都来自特效制作。

为保证比例正确，还要记下各式建筑的三维数据。

导演如影随形，时刻抽查，确保准确。

与摄影师相反，特效师在剧组的话语权并不大，基本都是按照要求做事。

那么为啥有些最终成品是《流浪地球》，有些变成《幻城》呢？

《幻城》你看，特效制作其实非常吃成本的职业，场地费、电费、工资……分分秒秒在烧钱。

所以说，5毛特效的锅，还真不在特效团队身上。

说不定，人家赚到的只有五毛呢？

职业：声音指导存在感：☆☆☆☆☆话语权：★★☆☆☆重要性：★★★★★眼见为实，耳听为虚。

对大部分观众来说，看电影，主要还是“看”人物、剧情、画面。

声音方面，大多数人也只会注意演员台词功力如何，插曲是否好听。

那些火车驶过的隆隆声，市场里嘈杂的人声，暴雨急急坠地的声音，似乎与场景浑然天成，从不会有人留意。

事实上，我们感受到的浑然一体，是很多人在幕后刻意为之的结果。

譬如《影》中，角色在泥水中奔跑的声音，就是拟音师穿着塑料袋踩出来的：

角色被一刀捅穿的场景，注定不可能采集到真实音效。

我们最终听到的血液声，其实是拟音师用刀捅穿模仿鱼鳔做的肺部：

《影》的绝大部分场景都在下雨，雨声也是电影中时间最长的BGM。

但和我们常听的白噪音不同，《影》的雨声不只是单纯一段雨声素材，而是用全世界所有雨声素材进行混音。

同时，只要外边在下雨，团队就要去外边录音。

不同场景混不同的音，少则三十多轨，多则五六十轨，才能做到完全符合情景，使观众不会出戏。

给整场电影做完声效，声音指导也快被摧残出抑郁症了……

和摄影一样，做音效也需要想象力。

摄影师能根据一段音乐，设想出实际镜头该如何拍摄；声音指导则是看到一个场景，在无声的世界中想象声音，最后选出五六种主要的，再实际操作。

悲哀的是，技术在进步，声音更加逼真，声音指导的话语权却在下降。

据赵楠所说，过去的电影主要以同期声为主，录音师觉得哪里声音太杂不适合拍戏，剧组就要当场另换地方。

而如今所有声音都可以后期制作，再没人去听声音指导的话了。

并且，也鲜有人还会去关心，他们为电影做出的努力与贡献。

纪录片共五期，分别从美术、声音、特效、摄影、配音五个方面，讲述电影幕后制作的不易。

近几年来，美术和配音的存在感高了许多，院长在这里就不再详细介绍，感兴趣的可以去B站看下原片。

难得的是，片内没有一直吹嘘国内的制作技术，而是坦言与国外的差距。

差距之一在于重视程度。

如赵楠所说，《罗马》为什么混音混得非常完美？

因为人家用了四个月。

而国产电影音效制作周期，最多不超过20天。

国外在声效方面分为两种职业：混录师，声音指导。

而中国只有一种声音指导。

分类后，人员专业性变得更强，加之薪资福利很好，人员在长期培养能变成人才，术业有专攻。

国内则是一个人干百种事，干活儿速度虽快，可要达到“精”的程度，难。

差距之二在于技术底蕴。

中国电影发展较美国实在差太多太多年。

从微缩模型到数字三维软件，美国的特效之路是一步一个脚印摸索出的，理念自然更加完备。

而中国尚处于探索阶段。

片中更直言不讳地表示，灭霸那种表情精度，国内目前是无法做到的。

至于阿丽塔的技术，就算拿给我们，也不知道该怎么用。

这就是底蕴差异，非单纯人力财力能够弥补。

如果问我在这部纪录片中看到了什么，有电影幕后制作的科普，有业界大拿们的名字，有我们与国外的差距。

但最重要的，是我看到了电影幕后制作人员的“匠心”。

透过纪录片，你能轻易从受访者的口中感受到，这些幕后人员的工作是多么辛苦。

做音效的，每天关在混音棚里，一关一整月。

为了耳朵不受伤，回家看电视剧都要静音。

做特效的，基本就是睡在公司，有时四五天都睡不上一觉，好不容易回家还要跟进镜头进展。

做配音的，有时一句台词就要改上四五十遍，进棚一录录上十几个小时。

可往往他们的回报和付出相比，只是沧海一粟。

人们看电影都是冲演员，冲导演。

看完电影各种被夸的，也多是演员和导演。

有多少人在意正片结束后，黑屏上密密麻麻的名字呢？

观众不重视，行业内也不重视。

不好好取景而指望后期音效、特效，演员台词不过关只能仰赖配音演员，历史片不注重文化底蕴，只想赚快钱……就像叶锦添老师所说，资本只想要收益，不在乎电影未来该怎么走。

可这些默默无闻的幕后人员，仍在努力。

不止是敬业，更是热爱。

热爱，推着曹郁在看过《末代皇帝》后，学着用摄影机进行拍摄。

热爱，促使叶锦添辗转港台、国外，将看到的一切吸纳为他想呈现的东方视觉美学。

热爱，让赵楠在长久的孤独中能够自得其乐。

这种因热爱而执着，接近于匠人的精神，通过他们平淡又有力的讲述，深深感染着我。

目前《我在中国做电影》在B站有45万播放，实在算不上高。

因此我想将它安利给更多人，让大家知道，一部电影背后，其实有无数人在为此努力。

愿影片结束后，我们是为那些名字，而不只是彩蛋而停留。

中国电影的未来少不了他们。

我将永远保持尊重。

被曹郁打动，被他对电影质感的追求打动，被他娓娓道来讲述的发展故事打动。

摄影师，孤独但有成就感的拟音师，特效师，致力于中国韵味的美术指导，配音演员。

正如影片所写，献给每一个为中国电影默默付出的人，中国在各行各业从不缺认真钻研的人，从不缺默默做事的人，都想它能好，可这是个很复杂的生态环境，行业体系，人才培养和保护，受众，平台，各方面都尚不完善，一个美好的眺望。

“摄影其实就是我表达自己的一个工具，我唯一能够掌握的完整表达我的一个工具”“每个电影对我来说，我乐意去做的是一种变化”“从摄影的角度说，最重要的首先是一个质感的准备，质感就像人穿衣服一样，有他自己的一个特点”“绘画当然是我们最直接的一个修养的基础”“合作太默契了，有如神助”“要碰到喜欢的东西，就会觉得喜欢的特别轻松”“(被美国电影摄影师杂志采访)觉得特别幸福，一个梦想实现的感觉”“生活应该是有你的激情，而不是挣了钱别人都认可你了就可以”“更重要的是，它确认我真正生活应该有的路子”“只能尽量地去做，只要一直在进步”“毕竟是爱这个职业的，它决定你往前走”“自己形成一个思维的创作过程”“习惯于在任何情况下积累声音经验”“干一行，爱一行”“向大家证明，女孩子一样可以，成为好的录音师，可以非常好，非常棒”“我希望我做的很优秀”“……但是觉得还是挺有意思的”“我们真的是对这个事业很忠诚，还是喜欢，所以才能做这个事”“做一个类型片的典范出来”“每一点点细节的累积”“大概收集了12000张老照片”“经过这种积累你能够提炼出来，需要的是什么”“一往无前的唯一力量，就是热爱你所做的一切”“一直在拍人，拍好多人，就记录好多人的感觉”“电影值得这么多时间去做”“但是最后一定是要发挥你自己的特点”

2019跨年夜，由B站主办的 “二零一九最美的夜”跨年晚会横空出世。

一时之间，引来万千网友的热捧。

“跨年晚会最佳，没有之一。

”“全程高能，全程暴击。

”

种种好评不绝于耳之外，也让更多人了解到了“哔哩哔哩”这个神奇而独特的视频网站。

不可否认，B站的确是一座宝库。

从“鸡你太美”的鬼畜视频，到琳琅满目的二次元番剧，到各个大学的公开课汇总，再到涵盖面非常之广的各类纪录片，可谓应有尽有。

而最近，阿七就在B站上发现了一部值得一看的电影人物纪录片。

它由时光网出品，聚焦于中国电影行业的“幕后英雄”。

虽然只有短短5集，但却足以让我们如管中窥豹一般，看见电影从业人员的诸多艰辛与不易。

《我在中国做电影》Tales of Chinese Filmmakers

本片把镜头聚焦于美术、声音、特效、摄影、配音5大电影幕后工种。

通过对7位重磅中国电影人的访谈，将中国近年来的电影产业面貌一一呈现。

第一个登场的，是摄影师曹郁。

2004年，他凭借《可可西里》摘得金马最佳摄影奖，从此一发不可收拾。

之后，由他掌镜的《南京！

南京！

》《摆渡人》《妖猫传》等多部影片摄影奖拿到手软。

而曹郁自己，也在一路的实践与积淀当中，摸索出了独具特色的摄影风格与艺术表达。

在曹郁看来，摄影师作为一部电影的视觉统领者，必须首先做好质感的准备。

举个例子，《可可西里》着重于自然环境的描绘，画面就要追求真实和震撼。

而《妖猫传》完全是一个主观故事，事件本身就不真实，所以没有必要去拍出自然的光效。

在拍摄过程中，杨贵妃“回眸一笑百媚生”的镜头曾一度让曹郁压力巨大。

其一，这是中国四大美人之一的杨玉环。

其二，这是白居易笔下的名句，无论从哪个角度来说，都是历史上的“名场面”。

为了拍出这个惊艳的镜头，曹郁先让人找来十几根蜡烛，放在张榕容脸部周围。

之后，加上了LED灯，营造出流光溢彩的丰富色泽。

曹郁觉得这样似乎还不够，于是在眼部加了Dedolight，又在整个脸部加上电子调光台来控制光亮的变化。

这一切加在一起，终于造就了我们在大银幕上看到的“回眸一笑百媚生”。

其实，早在曹郁一开始跟陈凯歌聊起《妖猫传》的摄影阐述时，陈导就立刻意识到这位摄影师的不凡之处。

曹郁当时拿出了一个装满画册的手提箱，里面是他在这部影片中想要用到的质感。

绘画，是曹郁作为摄影师最直接的艺术修养和创意来源。

在电影中，他会将不少自己喜欢的绘画融入其中。

比如，蒙克画作中的蓝颜色，启发了他使用蓝色和绿色构成《妖猫传》的主要色彩风格。

再比如，还未上映的《八佰》的视觉呈现，则参考了毕加索的早期画作。

说到曹郁入行的机缘，他提到了一部中学时期观看的电影：《末代皇帝》。

当时，他第一次看到摄影机居然可以像羽毛一样，那么自由诗意地展现情节。

就是从那一刻起，他下定决心要当摄影师。

于是，有了后来的种种成就，如今的曹郁无疑是中国最优秀的摄影师之一。

可如今的他，却并不骄傲，而是十分谦卑而审慎地向着更理想的境界迈进。

“我觉得摄影是这一辈子可能都达到不了你期望的那个高度，因为毕竟你的天分是有限的，你只能尽量地去做。

只要你一直在进步，而不是重复甚至退步，那我觉得我就有这种幸福感。

”

第二个登场的，是录音师赵楠。

她不仅是《狄仁杰之通天帝国》《催眠大师》《皮绳上的魂》《影》等多部华语影片的声音指导。

而且，还是奥斯卡的评委会成员。

说到对“声音”的理解，赵楠有着与众不同的看法。

在她看来的，声音在五感中虽然特别被动，但却是谁都逃不开的。

在电影中，声音的最高境界是生理学作用。

比如，怪兽电影里怪兽的吼叫之所以会吓到人，是因为次低频是让人最不舒服的一个频率。

再比如，电影中很多时候，即便没有台词只有音效，你也可以清楚地知道这个人是愤怒还是喜悦。

面对外界的“误解”，赵楠直言声音创作的核心并不在于素材，而是想象力。

比如，面对一段无声的怪兽画面，你脑海里必须瞬间反应出大概五六种声音。

当自己形成一个思维的创作过程之后，再实际操作。

细分下来，就又有不少步骤，从搜罗素材，到给角色定性，再到分析角色的生理结构和情绪，都十分重要。

在赵楠看来，声音创作和电影艺术一样，都有着某种共通的“假定性”。

手法是假的，但情感是真的，把两者相结合给观众制造一场幻术。

比如，在《影》当中的一场杀戮戏，沛良后心被捅，完全不能说话。

拟音团队，为了达到电影的真实就必须研究出，到底把人捅成什么样才不能说话。

后来发现，从生理结构来说，是捅肺。

于是，他们找来鱼鳔模仿肺，“啪”捅破之后，再把血往里灌，就这样完美模拟出了这段震撼又残忍的杀戮场面。

然而，与电影其他工种不同的是，声音工作者由于在创作上比较独立，是一个十分孤独的职业。

就拿拍摄《影》期间的经历来说，赵楠团队每天对着画面看下雨，然后每天还要挑着雨的素材。

工作结束的时候，天都黑了。

因此，那段时间的她心情特别压抑。

但即便如此，赵楠还是义无反顾地坚持了下来。

她曾说，每一个声音从业者，没有五年、十年，他就不可能成为很优秀的混录师或者声音指导。

而正是这份可贵的坚持，让赵楠拿下香港金像奖最佳音响效果奖。

在颁奖礼上，她为女性发声，更展现出身为一位专业录音师的自豪与骄傲。

第四集，大概是最有格调的一集，因为请来了被誉为“东方美学第一人”的美术指导叶锦添。

纵观他的作品履历，从《卧虎藏龙》到《无极》，从《夜宴》到《赤壁》，每一部都能从中窥探到叶锦添对东方美学的独到见解。

《卧虎藏龙》中，他大胆创新，史无前例地用山水画来做刺绣图案。

《赤壁》中，他为了绣一件衣服花了大半年时间，美学大师的精细程度从中可见一斑。

在影片中，对于同一个角色，叶锦添总是会不厌其烦地设计出不同的服装。

比如，《卧虎藏龙》中的李慕白是一位归隐山林的大侠，衣服从头到尾只有一套。

但在不同的戏里，他的衣服出现了材质上的变化：竹林戏时，他的衣服更加轻盈，可以随风飘动；进入宏村时，他的衣服则是棉麻质地，比较坠。

在叶锦添看来，美术指导并不只是把服化道弄得漂漂亮亮就可以，它涉及到很多我们一直忽略的知识和领域——“你对历史的认识，你对人情世故的认识，你对所有生活细节的认识，都是美术指导的工作。

”

比如说，你弄一个茶壶，应该是什么样的茶壶，然后茶壶是代表什么，都需要考量和设计。

正是这份精益求精，让叶锦添逐渐打造出独树一帜的东方美学。

2001年，他凭借《卧虎藏龙》拿下奥斯卡最佳艺术指导。

此后，《卧虎藏龙》的美学风格几乎成为了一种高山仰止的范式，不断影响着整个华语电影产业。

但叶锦添则提到，所谓的“东方美学”也是慢慢建立起来的。

刚毕业的时候，叶锦添相当自傲，因为在香港看不到他认为厉害的东西，于是他索性当起“背包客”远赴欧洲。

后来，他去了台湾。

在那里，叶锦添发现了一些有中国味道的东西。

然而，之后再深入下去，就觉得它们的力气不够。

于是，叶锦添十分先觉地意识到，中国必须拍出属于自己，并拥有生命力的“东方美学”。

从《大明宫词》开始，他一路探索和追寻，不断将他个人理解的最纯粹的东方美学呈现在大众眼前。

因此，才有了之后蔚为大观的《卧虎藏龙》等一众愈发成熟和优秀的作品。

在新片《封神三部曲》中，叶锦添则再度担纲美术指导。

为了设计片中的服化道，他钻研商朝历史、宗教、饮食文化和宫廷文化，以期用多元碎片组织成画面，做出游牧民族和汉族道统文化相结合的东方味道。

相信在不久的将来，不仅叶锦添的电影美学会享誉全球。

而且，中国的东方美学和传统文化也将被更多人看到。

说到这部纪录片的最大意义，自然是让更多人看到了一大批隐藏在大银幕背后的电影工作者。

他们辛勤劳动，兢兢业业，身为电影的工匠，却始终默默无闻。

但从另一个层面，我却看到了电影作为一个艺术门类的强大魅力。

它因朴实而动人，因纯粹而闪耀。

也惟其如此，它吸引无数电影人参与其中，如朝圣一般完成着日复一日的电影幕后工作。

对于他们每个人来说，电影真的意味着太多东西。

叶锦添将电影比作古希腊的剧场，它可以让一帮陌生人共鸣共感，拉近心与心之间的距离。

赵楠则坦率地说，自己已经不知道是否热爱这个行业，但肯定热爱电影。

看到这里，阿七不禁被这份简单的“热爱”深深打动。

是它，支撑着无数电影幕后工作者不断向前。

也同样是它，让电影成为了他们每个人生命中的一部分，融入血液之中。

最后，就用一句影片中的语录作结，并与大家共勉吧。

“一往无前的唯一力量，就是热爱你所做的一切。

”

让我们向默默无闻的“幕后英雄”们致敬。

让我们从此时此刻起努力打拼，不辜负心中的热爱。

影迷看过来，给大家介绍一部轻松好看的纪录片——《我在中国做电影》

《我在中国做电影》是2020年2月底才上线的纪录片，片子只有5集，每集只有15分钟，用一顿饭的时间就能追完。

内容主要聚焦于美术、声音、特效、摄影、配音这5大电影幕后工种，简直是资深影迷的饕餮盛宴，每集请来一位或一组代表着当今中国电影产业最高水准的专业人士，让观众了解电影制作的故事。

其中还囊括了《妖猫传》、《影》、《南京南京》、《八佰》等各大电影的幕后纪实。

美术、声音、特效、摄影、配音，这几个专业名字听起来很乏味，它们的背后似乎都隐藏着一大堆晦涩的名词解释。

就连电影节颁奖，大家也都只关注影帝影后奖。

摄影奖、音效奖、美术奖这类奖项则基本没有热度，甚至被插播进广告。

电影结束时，他们的名字也被放在很后面，字幕还没滚完，观众就已经走完了。

那为什么他们如此不受人“待见”，可全球的电影节却还是要为他们保留一个奖项位置呢？

看完《我在中国做电影》就知道了。

《我在中国做电影》第一集，请来的是曾上过《美国电影摄影师》杂志的曹郁：

大部分人认识曹郁，是因为他的妻子姚晨，但其实曹郁本人，是一个非常厉害的电影摄影师。

曹郁毕业于北电摄影系，毕业的第四年，他就凭借一支广告获得了纽约广告节摄影奖的提名。

2004年凭借《可可西里》获金马奖最佳摄影；2009年凭借《南京！

南京！

》获圣塞巴斯蒂安国际电影节最佳摄影；2017年凭借《摆渡人》获金像奖最佳摄影奖；2019年凭借《妖猫传》获金鸡奖最佳摄影奖。

可谓战绩不菲。

很多人不知道的是，摄影和摄像并不是一回事，摄影师不仅要负责拍，还要负责电影里的光影控制。

也就是说，一部电影所呈现出来的画面质感，是导演和摄影师相互协作的成果。

就拿《妖猫传》来说，片中杨玉环回眸的这一幕，是影片的重中之重：

为了这个镜头，曹郁准备了好几十根蜡烛和各种不同的现代灯具。

蜡烛围绕着放在演员的身边，LED灯往演员脸上打出层次感，然后还找了一种叫作特图利的可以打出很小光源的灯，专门打在演员的眼睛上：

看这个无滤镜的幕后花絮图：

我们可以看出杨玉环脸部和肩膀上的光影轮廓，这不只是化妆的作用，更多的是灯光。

这样才拍出了杨玉环回眸一笑百媚生的感觉：

所以大家看到的这个“百媚生”，不只是演员演出来的，还有摄影师拍出来的。

《妖猫传》是一部奇幻片，所以曹郁用了很多现代灯具来做光影，营造唐朝盛世的梦幻感。

而拍《南京！

南京！

》呢，用的则就是单一的白光了：

这种朴素的白光恰好可以拍出一种雕塑感，所以观众才会感觉角色特别有力量。

教堂里的这场戏也是光影运用的极致体现：

所有人站满教堂的时候，只有窗户那边进来了几束代表着希望的白光。

这一刻充满了压抑、痛苦和希望。

如果没人举手，那意味着毁灭；如果有人举手，那意味着牺牲与伟大。

所以当教堂里的女性们一个接一个举起手时，手掌上的光影就成了重点：

尤其当光越来越强烈，强烈到能看见空气中的灰尘时，精神感就凸显出来了。

除了演员的演技，这些黑白光影、空气中的浮尘，其实都是我们的哭点，只是作为观众的我们，经常忽略了镜头的力量感而已。

摄影还不是一门单一的技术，按曹郁的话说，摄影就是一门艺术，绘画是他们的修养基础。

曹郁谈到，他第一次去和陈凯歌导演讨论《妖猫传》时，是带着一个登机箱去的，里面装满了画册。

然后曹郁给陈凯歌看了爱德华·蒙克的画，他想以此为视觉参考，来做《妖猫传》的背景色调。

所以在《妖猫传》中，我们看到了很多以蓝绿色为主色调的背景：

拍《八佰》时，曹郁参考的则是毕加索蓝绿时期的画作：

但《八佰》中加了很多黄色来做蓝绿色的反衬色调，大家看这个镜头就是蓝绿偏黄的：

这种柔和中透出来的残酷感，恰好符合《八佰》的气质。

曹郁还称《八佰》是他最满意的一个摄影作品，这个我们可以期待一下。

第二集讲的是音乐效果，请来的是负责过《影》、《记忆大师》、《重返20岁》、《寻龙诀》、《狄仁杰之通天帝国》等作品的赵楠女士。

她曾多次提名金鸡奖和金马奖的最佳音效奖及最佳录音奖，凭借《狄仁杰之通天帝国》获得金像奖的最佳音效奖。

与摄影不同，音效是一个非常孤独的职业，尤其在这个同期声越来越少的时代，音效师们基本都是独自坐在录音棚里工作的：

比如张艺谋的《影》，看过《影》的观众都知道，影片全程伴随着雨声。

为了做《影》的雨声，赵楠和同事把全世界有关雨声的素材都下载下来了。

不仅如此，他们还要自己录，哪一天看见下雨了，马上抱着设备跑出去录雨声。

赵楠表示做《影》的那段时间是最压抑的，因为上班听雨，下班了还要录雨，每天都阴沉沉的，整个人很down。

也有一些团队协作，许多我们听到的脚步声、踩水声、刺剑声，就是好几个人用奇形怪状的姿势趴在房间里合作出来的：

为此他们还要研究一些构造知识。

比如《影》里郑恺被刺的这幕：

他被刺完之后讲不出话来，不是因为声带受损，而是因为剑刺进肺部，造成血液反流，血进了肺，人一开口，血就会涌上来。

所以为了做这一剑的声效，团队还用鱼鳔做了一个仿真的肺。

在赵楠看来，声音是被动且恒定的，它是五官中影响人情绪很重要的一官，而且它对人的生理性影响不会被改变。

就拿怪兽的叫声来说，很多人害怕怪兽的叫声，不是因为它声音大，而是因为它声音中有次低频，次低频是最让人感到害怕的一个频率。

所以做声效靠的是感知与感情，而不是靠素材。

很多人以为大神能做出丰富厉害的声效，是因为他们电脑里存的素材多，但其实根本不是。

赵楠拿到片子的时候，做的第一件事是想象，她先看着无声的画面自行想象出大概五六种声音，然后再去找素材，找不到就去录或者制作。

如果只是像拼图一样，把现有素材往画面里嵌，那是做不出好音效的。

除了摄影和音效，《我在中国做电影》还讲了配音、美术、特效等方面的故事，有兴趣的可以去看正片，这里就不多讲了。

有人可能认为一集15分钟太短，讲不出深度，但对于一般影迷来说，这个时长其实正好，既不费心力，又可以掌握一些入门级小知识，提高一下观影水平。

太深度的话，那就是老炮专场了，对于一般观众来说会有点晦涩。

《我在中国做电影》让人感受最深的一个点就是：做好一份工作，除了兴趣之外，还必须耐得住寂寞。

认真、痴狂、专注、孤独、知足，一样不可少，有时候你甚至还得甘于承受一些职业伤害。

比如曹郁，不工作的时候，他就看大量的画作，研究其中的光影运用，这就是必须沉下来心来去积累的。

音乐也是他的灵感来源之一，有时候创造光影，音乐的起伏、氛围，都帮助他渐入佳境。

再比如赵楠，为了做好音效这份工作，赵楠养成了随地记声音的习惯。

她随便就可以说出重庆的高架桥上有哪几种声音，江边从白天到黑夜都有KTV在营业，还有高架桥上的汽笛声，和江面上的油轮声。

老上海的弄堂也很典型，一般是马桶的使用声，和小自行车的车铃声。

在家里，赵楠也利用听觉判断一切事物，比如老公何时出门，她还可以只靠听，就听出楼下的店面煮的是饺子还是面条。

长期的职业积累习惯使得听觉成为了赵楠五官中最敏锐的一官，但也以此带来一些伤害。

比如赵楠从不戴耳机听音乐，家里也没有任何播放器，她甚至下班回家看电视，都是关着声音看字幕的。

因为上班时间听了太多声音，下班再听的话她会睡不着。

经常夜里两三点，别人都睡着了以后，赵楠则是走进录音棚，把一千多个素材，一个接一个地放。

直到现在，赵楠都说不出自己到底爱不爱这个职业，只是他们那个年代的人，有了一份工作就天然感觉要做一辈子了。

这种说不出爱与不爱的朴实，反倒成就了一代匠人。

青石电影编辑部/老王

他们是代表着当今中国电影产业水准的最优秀的7位电影人。

怎么用声音去表演？

怎么用光影去造型？

为了做《影》买下全世界的雨声是怎么回事？

节目中，他们畅谈各自的电影创作与职业故事，用一个个鲜活的个体故事，真实呈现了 “一部电影的诞生”；中国特效是不是五毛？

中国能不能做得了“灭霸”？

东方电影美学能不能征服世界？

他们直指行业的困顿与问题，也回答大众对中国电影的“偏见”，用专业为观众答疑解惑，为当下中国电影产业找到正确的打开方式。

《我在中国做电影》既是“给电影的一封情书”，也是给万千影迷、爱电影的人、致力于从事电影工作的新人们的“一堂电影课”！

“我在哪里做什么”的系列应该做下去，以增进人们对于某些特定行业的了解，而不仅仅只是“不就是什么什么”。

任何一个小众的领域，都有其极强的专业性和复杂性。

电影，就是一个很好的入口。

五期分别是摄影、拟声、视效、艺指、配音，虽浅尝辄止，但以目前的情况来看，能达到普及的意义已经是非常好了。

第二期拟声，赵楠谈到工作的独立性，那种独自一人包裹在录音间的独特体验，值得去了解与感受。

谈到中国社会及行业的变化，也有许多无奈，尤其是关于“术业有专攻”的表达，戳中每一个技术与艺术交融性行业创作者的内心，中国是发展快，中国人干活也快，但中国与美国，“差距在高端”。

到了第三期视效，中国电影行业及电影人与世界顶级电影大国的实力差距，就更悬殊了。

在视效领域，更能让人强烈地感受到电影的工业感，这一行具有极强的技术性。

今天，中国最好的视效工作者，对于美国的视效工具，即便能拿来，也根本不会用，如同几十年前，人有原子弹而我们却没有，什么时候我们能研究出同样的视效工具，并且熟练使用，才算是在这一领域，有了自主权，拥有了保卫自己作品的能力。

中国电影不成熟，包括市场不成熟、观众不成熟、技术不成熟。

就像这些年一直提及的，钱过分花在演员身上的问题，造星当然很重要，演员与角色是令观众瞩目与记忆的核心，明星制度也是美国创作出来的，但是美国已经走到下一步了，已经实现了全产业的成熟，而我们还仅仅局限在演员，又落后一百年。

视效是电影整体产业能力的一种极致体现，它更为赤裸、更为直观，比声音和摄影等更容易让普罗大众感知到，所以好了就真是好，差了也真是很差，容易被误解与吐槽。

可其实，真正的问题并不在于单一领域。

第四期叶锦添，可谓此系列的高潮，艺术指导体现了一个人“对历史、对人情世故、生活细节的认识”，这句话说得真好，这也是一个人、一个行业、一个国家与文化的不可替代性所在。

能感觉到叶锦添对于跨世纪时间段的认可与怀念，这个世界会更好吗，不会，但起码，每个人先做好自己手上的事吧。

电影工种繁多，我在中国做电影系列，要再拍下去哦。